В январе 2020-го, как раз перед пандемией коронавируса, Подземный музей парка «Зарядье» круто поменял концепцию: убрал из своих витрин археологические раритеты, найденные на раскопках при строительстве парка, и стал площадкой современного искусства. Причем с невероятным графиком: новая экспозиция появлялась каждые три недели. В таком формате в 2020 году был реализован цикл выставок #три_, а затем – SOVRISK #напотоке. Честно говоря, заданная быстрота смены проектов меня поразила, ведь она требует колоссальных усилий кураторов и финансовых затрат, даже если Подземный музей – маленькое пространство. Почему была выбрана такая концепция изначально? И оправдала ли она себя в итоге?

Тогда никто не думал о пандемии, но именно эта динамика позволила нам до всеобщего локдауна буквально за два с половиной месяца открыть четыре выставки в Подземном музее, достаточно громко заявить о новой концепции и задать вектор развития. И с этой точки зрения частая смена выставок себя оправдала. Но изначально мы, конечно, думали не об этом.

Осенью 2019 года парку «Зарядье» исполнилось два года. Когда его только открыли, он сам по себе был «диковиной» – большое парковое пространство в самом центре Москвы, новая архитектура, эффектно вписанная в ландшафт, растения разных природных поясов, аттракционы – виртуальные полеты над Москвой и над Россией, Ледяная пещера, панорамный кинотеатр. Кроме того, парк стал новой страницей истории одного из старейших районов Москвы и заново открыл прекрасную старую архитектуру Варварки – до этого долгое время ее архитектурные памятники не имели нормального кругового обхода и возможности для обзора. Но за два года к этому привыкли, и, чтобы развиваться и привлекать не только туристов, но и москвичей, изменения и новая динамика были необходимы. В конце 2019 года у парка сменилось руководство – директором стал Иван Иванович Демидов, и новый формат выставок – это его идея.

Подземный музей появился в парке благодаря неожиданному археоло­гическому открытию – строили выход к набережной и наткнулись на белокаменное основание Китайгородской стены XVI века. Его законсервировали и вокруг построили музей. Для показа классического искусства это пространство очень непростое: по сути, в нем есть три большие витрины для трех работ, все остальное – видеопроекции и тач-панели. Но есть и плюсы – в мультимедийную часть можно заложить любое количество информации для пытливого зрителя, видео и звук создают атмосферу, а небольшое количество работ позволяет очень легко прикоснуться к какому-то явлению в искусстве, потратив на осмотр всей экспозиции буквально 15 минут. Получился такой «музей эпохи инстаграма*», как назвал его один из моих коллег, отвечающий общему запросу на скоростное потребление информации. Частая смена выставок дает и еще один эффект – гуляя по центру Москвы и заглянув на полчаса в «Зарядье», всегда можно увидеть и узнать что-то новое.

Будет ли сохранен такой ритм выставок в сезоне-2022/2023?

Сейчас у нас более спокойный темп, но и сами выставки в Подземном музее изменились. Цикл #три_ в 2020 году показывал известные, ключевые для XX–XXI веков имена – Лентулова, Малевича, Обросова, дуэт Виноградова и Дубосарского, Константина Худякова, Зураба Церетели и других мэтров. В 2021 году мы запустили новый цикл SOVRISK #напотоке – и тут задача была показать художественный процесс в динамике и развитии. На каждой выставке была как минимум одна премьера – работа, которая еще нигде не выставлялась и только-­только закончена автором. Также в рамках этого цикла мы первыми начали в офлайн-пространстве показывать NFT-арт российских художников – на постоянной основе и в сочетании с работами в более традиционных техниках. Например, выставляли первый NFT группы ППСС – Павла Пепперштейна и Сони Стереостырски и NFT группы AES+F, сделанные на основе их больших проектов Inverso Mundus и Allegoria Sacra. И рядом – живопись Натальи Гудович, латексный костюм в стиле барокко Саши Фроловой и макет кинетического освещения башен Кремля Франциско Инфанте.

2022-й стал годом спецпроектов с более плотной и насыщенной экспозицией, которая как будто сама требует спокойного и вдумчивого знакомства. Очень важной для нас стала выставка «360 градусов, или Фасеточное зрение стрекозы» – посвящение выдающемуся искусствоведу и куратору Виталию Пацюкову. Куратор выставки Алина Федорович собрала для нее работы Ильи Кабакова, Эрика Булатова, Дмитрия Пригова и других знаковых художников, с которыми Пацюков дружил и работал на протяжении нескольких десятилетий. Дважды мы сотрудничали с проектом «После иконы», который объединяет современных художников, по-новому осмысляющих традиционные христианские сюжеты. В рамках пасхальной выставки часть работ – скульптуру, керамику, шелкографию – мы экспонировали на фоне Китайгородской стены, и это сочетание исторического памятника, вневременных сюжетов и новых художественных форм создавало сильный эффект.

На выставках цикла SOVRISK #напотоке зрителям можно было голосовать за понравившиеся экспонаты, тем самым продлевая их показ в Подземном музее. Что вы в итоге поняли о предпочтениях широкой публики благодаря такому ходу? Ведь современное искусство по-прежнему вызывает неоднозначную реакцию.

Ну, во-первых, оно оказалось популярным – буквально недавно одна из посетительниц музея, не зная, что я сотрудник парка, рассказывала мне о голосовании и была очень недовольна, что на нынешней выставке его убрали. В этом в том числе была наша цель – ненавязчиво включить посетителей в игру с искусством. Среди произведений, набиравших наибольшее число голосов и остававшихся на «второй тур», были живописные полотна Игоря и Екатерины Пестовых и Владимира Дубосарского, многослойный фанерный рельеф Дмитрия Аске, инсталляция с масками Дмитрия Шабалина и другие работы. Это художники разных поколений, работающие с разными темами и художественной оптикой, но если искать объединяющие черты, то это, безусловно, визуальная аттрактивность, привлекательность образов, эффектный «первый слой», который легко считывает посетитель, независимо от степени своей погруженности в современное искусство, а уже дальше, при желании, углубляется в заложенные в работах идеи, истории и смыслы.

А как реагировали посетители на NFT-объекты – совершенно новое направление в contemporary art?

Так же как на любое другое искусство. Нам было интересно показать, что в искусстве прежде всего важны идеи, образы, смыслы, а NFT – это технология, которая открывает перед авторами новые возможности. Иногда сами работы это интересно обыгрывают. Например, мы показывали видеоработу «Триптих» Сергея Маслова, и на тот момент (июль 2021-го) две части уже были проданы на NFT-платформе Foundation за 5,8 ETH, это около 11 500 долларов. В ней художник вдохновлялся фильмами Дэвида Линча и Стенли Кубрика, живописью Рембрандта, Магритта и Эшера и использовал нейронные сети для создания эффекта движения масляной краски на холсте. А в своем авторском курсе для моушн-дизайнеров он учит переводить в цифровые форматы те же принципы композиции, перспективы и светотеневой разработки, которые использовали в живописи старые мастера.

Какой экспонат из выставочных циклов #три_ и SOVRISK #напотоке стал для вас лично самым интересным? За что вы бы проголосовали?

Мне дорога выставка «Авангард. Три персоны», которую мы делали совместно с Московским музеем современного искусства к его 20-летию. Кураторы ММОМА­­­ выбрали для показа в Подземном музее три шедевра из своей коллекции – поздний «Автопортрет» Казимира Малевича, «Женщину с рыбой» Александры Экстер и «Рабочего» Владимира Стенберга. С этой картиной Малевича у меня связаны личные воспоминания. Еще учась в университете, я пришла на работу в аукционный дом, который в тот момент продавал коллекцию искусства обанкротившегося Инкомбанка. Это было эпохальное событие! В собрании был один из четырех «Черных квадратов» Малевича, теперь хранящийся в Эрмитаже, а этот «Автопортрет», долго остававшийся в с­емье­­­ художника, как раз на том аукционе был выкуплен для ММОМА. Так что в парке мы встретились с ним как старые знакомые после долгого перерыва.

В концептуально-смысловом отношении сегодня парк «Зарядье» представляется двухуровневым пространством: наверху это парк, то есть место торжества природы, внизу, под землей, это территория искусства, то есть зона рукотворного. Иногда искусство выплескивается, конечно, и в парк – в нем появляются арт-объекты, но в целом не наступает на природу. Вам, как кураторам, природа не мешает, не хочется сделать ее всего лишь фоном для искусства, поглотить арт-объектами?

Мы как раз регулярно это делаем! Не поглощаем, конечно, но аккуратно внедряем объекты в парковые зоны, и это всегда любопытный, хотя и недолговременный союз. Главные интервенции случаются в рамках Московской Арт Премии – каждую осень выставка номинантов вместе с вручением призов проходит в «Зарядье». На премию номинируются и отдельные произведения, и целые проекты, в том числе выставочные, которые были созданы или представлены в прошлом году и соответствуют одному из критериев конкурса – «в Москве, о Москве, для Москвы». Так в парке появлялись крупноформатные скульптуры Дмитрия Аске: «Хранитель» – пяти­метровый волк с девочкой на спине, символизирующий силы природы, которые приходят человеку на помощь, и «Невидимая граница» с парой, уткнувшейся в смартфоны и не видящей друг друга. Кстати, «Хранитель» был сделан для закрытого жилого комплекса и, кроме «Зарядья», никуда оттуда не выезжал. В рамках МАП в парке гастролировали «Фильтр» Григория Орехова, «Большая античная голова» Аристарха Чернышева, «Стабильная композиция» Романа Ермакова, объекты Димы Филиппова, Ольги Божко, Кирилла Асса, Ивана Горшкова и других. Каждый раз, выбирая место для установки работы, мы ищем «идеальный мэтч» – точку, где парковый ландшафт, архитектура павильонов и арт-объект будут гармонировать друг с другом и в жизни, и на многочисленных фото в соцсетях.

Этой осенью «Зарядье» стало одной из площадок паблик-арт проекта «Здесь и сейчас». Для парка скульптор Адиль Алиев сделал фигуру «Мальчик-рыбак». Сейчас она выставлена в холле медиацентра, но со временем переместится в парковую зону.

А в прошлом году несколько объектов паблик-арта специально для «За­рядья» создала художник Марина Звягинцева. «Закрутилось-началось!» – бетонный куб, который разбивает лопата садовника, и из него высыпаются цветы-спиннеры – символ природы, снимающей стресс большого города. А вот «Water линия» – три фитотрона с живыми цветами в окружении труб с бурлящей водой – наоборот, расположены под землей, на парковке. Утилитарное пространство благодаря работе художника преображается и становится более дружелюбным – искусство и растения встречают гостей на подходе к парку.

До 6 ноября в «Зарядье» можно увидеть выставочный проект «ВЫПУСК ‘22», где на одной площадке собраны работы выпускников 14 художественных вузов Москвы. Что говорит этот проект о будущем искусства в России? Какие эстетические и ценностные установки у молодых художников?

В этом проекте мы сознательно не ограничивали себя каким-то одним направлением – только классиками или только концептуалистами. И это первый случай, когда на одной площадке собрано такое количество вузов и соседствуют настолько разные подходы к обучению – от Суриковки, Строгановки, Академии Глазунова до Школы Родченко и Института современного искусства Иосифа Бакштейна. Признаюсь, сначала мы не понимали, как соединить настолько разные полюса в художественном образовании, но в итоге именно различия и многополярность, мне кажется, оказались в этой экспозиции самым интересным и ценным. Получился, с одной стороны, срез разных подходов и эстетических установок, а с другой – наглядная помощь для старших школьников, которые выбирают, где и чему учиться дальше. На выставке есть и масштабные исторические полотна, и примеры монументальной росписи, и иллюстрация, и декоративно-прикладное искусство – текстиль, фарфор, керамика. Работы мы выбирали вместе с учебными заведениями и, с одной стороны, старались показать самые интересные дипломы этого года, а с другой – самые характерные для каждого вуза. Выставка занимает три пространства, и нам удалось показать и смежные специальности – сценографию, искусство книги, видеоарт, гейм-дизайн, моду и фэшн-фотографию. Возвращаясь к вашему вопросу, у поколения, которое выходит сейчас на большую арт-сцену, множество идей и много разных языков для их выражения. И к ним уже серьезно присматриваются московские галеристы.